Los magos no revelan sus trucos, las madres nunca revelan sus recetas especiales. Supongo los adivinos tampoco te dirán si de repente les falla la esfera de cristal. Pese a las advertencias del sentido común, la pregunta estaba en la mesa: cuál era la explicación de Phoenix para el estallido de su último disco Wolfgang Amadeus Phoenix en el público y la industria musical como ninguno de sus tres álbumes anteriores. Por qué ahora, cuando habían decidido seguir el camino independiente con su sello Loyaute, la banda francesa de 10 años de trayectoria estallaba tan estruendosamente al grado de llevarse el Grammy al “Mejor disco alternativo” a casa.

¿La respuesta? Deck y Christian, respectivos bajo y guitarra de la banda francesa, abrazaron el agnosticismo esperado en entrevista con La Rocka, previa al concierto. “Cuando sacamos un álbum es como tirar los dados. Nunca sabes cómo van a reaccionar con él”, comentó el bajista.

“No tenemos que juzgar este tipo de cosas”, se defendió, “Tenemos el Grammy, tenemos que tomarlo. Claro que hicimos este álbum con el mismo espíritu que el disco anterior, así que sí, todos son apreciados por nosotros, y sí, preferimos el disco anterior porque es el más reciente. No tenemos que comentar de esto”, dijo Deck, estoico y más que satisfecho con la situación.

Han pasado diez años desde que el cuarteto francés lanzó su primer disco, United, de donde conoceríamos el sencillo “Too Young”, aparecido en la película Lost in Translation, de Sofia Ford Coppola, pareja del vocalista Thomas Mars. Desde entonces estaban apegados al inglés para apelar a la universalidad del público. Esa canción profetizó muchos años antes el regreso de la pasión por los 80s y de la adultez del pop para las bandas juveniles, de los cuales aún no hemos tenido escapatoria.

Si bien las palabras no alcanzan para darnos razón de su buena fortuna, la explicación que dieron al tomar el escenario es por demás suficiente. El jueves 4 de febrero Lady Hustle y el rock ligero de Los Lemons prepararon un Escénica abarrotado para un concierto que pone la barra muy alta para el resto del año. Aunque son cuatro de base, en el escenario Phoenix serían seis, con el apoyo del baterista y el encargado de los sintes, los que ofrecieron una combinación de rock y pop de corte fino con exceso de sintetizadores, precisión de ritmos y melodías en una atmósfera animada y divertida, y sensibilidad de masas entre guitarrazos rockeros, paisajes electro y momentos acústicos, que difícilmente serán alcanzados en los siguientes meses.

La visibilidad del escenario para los asistentes más alejados y fallas menores del sonido fueron los únicos detalles para el concierto con dos encores y 16 canciones en total. Cada rola fue poderosa en su propio terreno: en espíritu épico, “Love like sunset” (en dos partes) succionó la atención durante más de diez minutos desde el rugido motorizado de los sintetizadores hasta el ir y venir de los acordes limpios de guitarra, con algún rastro de la toma que Daft Punk hace del rock.

En la nostalgia del power-pop y del crujir de los sintetizadores, “Lasso” y “Lisztomania”, también del último álbum, golpeaban al público con profundidad inesperada. En ternura, “Playground love”, una canción de sus compañeros de generación Air para la película The Virgin Suicides, la voz de Thomas tranquilizó como plática de almohada, al igual que el revestimiento acústico para “Everything is everything”, que dejaría más evidencia su descubrimiento de la esencia del pop que lograron en su segundo álbum Alphabetical.

Aunque tanto sus conciertos como sus trabajos de estudio han destacado por ser sumamente accesibles y melódicos, lo que pasa tras bambalinas no es cercano a eso. “Es doloroso para tu ego”, detalló Deck, “Te estás enfrentando a ti mismo todo el tiempo. Tienes que empezar todo desde cero”.

“Es muy difícil, especialmente desde el inicio, empezar en el cuadro adecuado. Es emocionante y atemorizante al mismo tiempo. No tienes idea de si podrás lograrlo. Primero, no tenemos reglas, es completamente empírico, no controlamos lo que hacemos. Así que tampoco podemos predecir qué tanto va a durar [el tiempo en el estudio]”, precisó.

La noche en el Escénica, con un segundo regreso, terminó con el sencillo “1901”, cuyo final extendido sirvió de tarima para que unas 100 personas del área VIP se subieran a compartir el escenario con la banda. Este tema comparte cierto carácter melódico-obsesivo similar al de Hot Chip, que Christian reconoció como presente en todo el proceso de creación del Wolfgang. “Durante dos años cada sueño se dio en melodía”, explicó con respecto a los rasgos obsesivos de su último álbum, “Fue como una pesadilla, porque nunca paraba. Al mismo tiempo, es muy hermoso y muy difícil tratar de encontrar algo exótico y ponerlo en una melodía. Está en tu cabeza aún cuando estás durmiendo”.

Aún con el estrés y la obsesión como base para construir Wolfgang, éste -ni su presentación en vivo- se resienten como algo negativo. Si acaso, se convierte en algo perfectamente cuidado; en sus palabras, una situación de gana o pierde, en parte llevada así por la asertiva colaboración de Philippe Zdar, productor del disco y mitad del proyecto electrónico Cassius. “Para este álbum formamos un rompecabezas, compusimos muchas partes”, comentó Christian, paciente y explicativo, “15 horas de música. Pedazos muy pequeños de música en una máquina. Un año y medio, al que le construimos un bello marco. Como un collage”.

“Cada álbum tiene una receta, una distinta. Tenemos que encontrarla. Ese es el juego”, señaló Christian intrigado, como un mago que se deja llevar por sus propios secretos.

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Acerca del sencillo “1901″:
“La primera vez que enviamos esta canción a nuestros amigos, particularmente el efecto fue que no les importó en realidad la canción. No esperábamos que se hiciera tan grande después.” (Deck)

Acerca de sus shows acústicos:
“La forma en la que tocamos esos shows [acústicos] es un poco cómo compusimos el álbum. Fue normal empezarlas a tocar así.” (Deck)

Acerca del impacto de su último disco:
“Hacemos la música y el resto no lo controlamos.” (Christian)

Acerca de la fórmula pop:
“Las recetas no funcionan en el lado creativo para nosotros.” (Deck)

Acerca de cantar en inglés:
“Es como un código, como el lenguaje de computadoras. Es un lenguaje, nada más. Para nosotros no es la cultura estadounidense, sino palabras donde vertimos nuestra cultura europea.” (Christian)

Es en el espectro melódico y vocal donde encontramos la mayoría de la Fusión (mezcla de géneros) en la música de los regiomonteces, y lamentablemente es la misma traba que les impide lograr un buen crossover comercial. Corazón Attack tiene el tipo de música que es demasiado garage-core para el punkskabilly, y demasiado surf para el garage-pop, y definitivamente son demasiado tranquilos y melancólicos como para ser programados en un toquín de dance punk, el género indie predilecto de nuestras épocas de depresión.

Si hubiera un escenario perfecto para que tocaran, podrían abrir con “La Noche” o “Mi Motivo Particular” para Las Victimas del Dr. Cerebro y La Maldita Vecindad circa 1995, lo cual no aplica para las mismas bandas 15 años después. Sin embargo es con canciones como “Sabes… las chicas me rompen el corazón” con las que tendrían más posibilidades de apelar a las jóvenes audiencias (Pos-Emo) del nuevo siglo (si cambiaras el saxofón por un sintetizador).

Para el final del disco uno queda con la sensación de que hicieron falta más guitarras o que se necesitaba un poquito más de dub para alegrar el ritmo, dependiendo de la inclinación auditiva del escucha. Es en esos momentos donde hasta la mejor producción se puede llegar a escuchar sub-par. A pesar de todo, es un disco entretenido y con un sonido particularmente agradable. Si hubiera alguna etiqueta que mencionar, seria que es lo mejor que ha salido del Rockampeonato hasta el momento… y con un poco mas de experimentación, ejercicio, y prueba y error Corazón Attack encontrara su lugar tarde o temprano.

Descarga:
Corazón Attack – La Noche

Por Issa, etc. Publicado originalmente en el sitio web de La Rocka. Octubre 2009.

A las 11 y quince de la noche del sábado pasado, la chica que de ahora en adelante llamaré K escribía en su computadora la siguiente línea: “Fue cerca de las 12 que estos reyes pusieron punto final con ‘Use somebody’. ¿Y los súbditos? Totalmente rendidos”.

Presionó el botón “Send” de su correo electrónico en Outlook Express en web y lo envió a los que creo serían editores del periódico El Norte, para que unas horas después apareciera la reseña del concierto de Kings of Leon en la portada de la sección Gente en su versión impresa.

¿Cómo sé esto? De adivinatorio hay poco en mi conocimiento: yo estaba ahí mientras ella reseñaba en su laptop el final de un concierto que aún no había acabado. Frente a las dos estaba el cuarteto familiar de Nashville, ya olvidados de su corte de cabello hippie pero manteniendo las botas y las camisas de cuadros, desenvolviendo la mitad del concierto así como el tecleo a mi lado fluía.

No he de esconder que verla escribir me provocaba cierta culpa: por una parte, por husmear en el trabajo de otros; por otro, por no concentrarme completamente en el concierto. Si nos quedamos con la segunda opción, pues, las dos seríamos culpables.

No comparto esto por querer redimir el concierto. Kings of Leon, en su evento del sábado 24 de octubre en la Arena Monterrey, le sacó las entrañas a gritos a los miles de asistentes en golpes alternados de garage y hard-rock.

Sin embargo, su interpretación tenía muy poca frescura, como si siguieran instrucciones numeradas para tocar cada canción. En su vocalista, Caleb, se denotaba la presión de la banda así como él pedía tragos constantes, disculpándose por anticipado si jodían una o dos piezas por andar borrachos.

No era para más, pues el peso del cuarteto dependía de una sola cosa: el carisma de una voz de atracción radiofónica y sabor rasposo-sureño. El resto de la banda se contenía, o bien se entregaba a los nervios, y sus habilidades se diluían entre las luces de uno de los últimos conciertos de su gira (y previo a un largo descanso, según comentaron). Había demasiados ángulos para malear, demasiado espacio desperdiciado sobre el escenario.

Leía desde mi butaca que K hablaba de su música como un rock multifacético –comentario que no la armó para la versión impresa, por cierto– y pensé que no había mentira más grande que esa. Los últimos capítulos en la historia musical de la banda no los defendían mucho. El groove y las caderas de su primer álbum Youth and young manhood (2003) –que abanderaba el regreso del garage al plano comercial a principios de esta década– quedaban sustituidos por los coros hímnicos de canciones como “Knocked up” y “On call” de Because of the times (2007), así como por los crujidos new wave y los detalles electrónicos de “Sex on fire” de su último álbum, estilo un tanto oportunista si recordamos a sus compañeros de generación The Killers y tantito de los últimos trabajos de AFI (quienes también se subieron al mismo barco).

No hay analogía más perfecta para la formulaica presentación de Kings of Leon en Monterrey que las líneas que tecleaba mi colega (al final yo también estaba ahí para escribir).

El concierto y la reseña eran inevitables –así abarcaba a miles de receptores la música de uno y las palabras de otra– pero sabían igual que todo lo demás. Podría decirse que abundaron los territorios seguros para hervir la sangre juvenil. Muchos de los requintos pecaban de ser extremadamente precisos y por ello un tanto insípidos, como sucedió con “Molly’s chambers”, interpretada en vibra stoner que atentaba directamente con el vaivén de las guitarras y los delirios setenteros de la versión de estudio.

Los momentos más memorables del cuarteto no estuvieron ligados con el poder ni con la radiación de las guitarras, sino con su capacidad para crear atmósferas solitarias: los brotes de country para la silenciosa “Revelry” y la entrada de sintetizadores oníricos para “On call”. Particularmente la perfección vocal de Caleb dio una entrada impecable para esta canción y para los caprichosos arreglos de la sincopada “I want you”, con una melodía que crecía a una sola –pero suficiente– guitarra.

Para entonces la curiosidad me estaba matando. ¿De dónde transcribía K con tanta certeza qué era lo que Kings of Leon iba a tocar? ¿Un tercer ojo?

Me atreví a preguntarle si los organizadores habían compartido el setlist, como suele suceder en muchos conciertos, pero lo negó. Ella sólo presentía o confiaba en lo que sabía (o lo que había bajado de Internet): dónde iba a acabar todo, qué era lo que la gente quería escuchar al final del concierto.

Al cuarto a las 12 de la noche del sábado 24 de octubre se cumplían los momentos que había anticipado (y evaluado), así se daba el cierre para el concierto: sonaba “Use somebody”, uno de los sencillos faltantes, y los súbditos se rendían ante ellos, inclusive la misma K, quien había apagado la computadora varias canciones antes y se abandonaba al baile.

Antes de irme me hubiera gustado preguntarle a K si sabía si en los próximos conciertos sonarían “Red morning light” y “Wasted time”, dos éxitos tempranos en su carrera, o si de plano era algo que la fanaticada no debía esperar en el futuro inmediato.

Lo que sí pude ver mientras me enfilaba para buscar un taxi era que un reportero de El Norte es más cercano a mí de lo que creía en un principio: como yo cuando la prepa, ese reportero también cree en los horóscopos. Lo malo es que (en alto espíritu coprofágico) también los escribe.

Cuando uno es entusiasta de la musica, o en mi caso productor y musico, de vez en cuando existen oportunidades de verse involucrado de alguna manera dentro de la pre-produccion o produccion de proyectos musicales de amigos y/o colegas. En el caso de White Ninja (gemelo malvado de Los Mediaticos) la historia es un poco diferente sobre todo considerando que es un proyecto de Leonardo Marz, mi compañero de banda en Album y el que le puso “Delhotel” a Delhotel Records por ahi de 2002.

El caso es que hace casi un año Leo me pidio ayuda para grabar baterias para su disco, y fue entonces que comenzó mi desilusion con el disco debido a que habia mucha improvisacion, desorden, y un caos controlado que hacia que su material se pasara de los limites del Lo-Fi, al menos para mi gusto. No es que el disco estuviera quedando “malo” sino que solamente no estaba quedando deslumbrante. Fue por eso cuando escuche el producto terminado hace un par de semanas no pude contener mi emoción, e informe a varias personas que se fueran preparando para uno de los discos mas interesantes e inesperadamente grandiosos del año.

En el proceso de el año Leo fue cambiando sus metodos de produccion, alargo su plazo de trabajo y dedicadamente fue convirtiendo la vision de su disco en algo mucho mas estructurado y facil de escuchar. Las baterias ya no sonaban sueltas y esporadicamente improvisadas. Estaban bien amarradas y mejor grabadas. Los bajos pasaron de notas irrelevantes que llenaban el sonido, a una parte integral de las canciones, las cuales ahora contaban con una estructura bien definida, y un sonido mucho mejor encontrado. Sin la necesidad de que nadie se lo dijera, Leo fue encontrando y componiendo las circumstancias de produccion y mezcla que convertirian su EP de un buen disco a una joya.

Otra inesperada adicion al disco fue la participacion de Alexico en las voces, lo cual le dio un twist al genero electronico-mashupero e hizo resaltar los pequeños toques de punk y hard-core que se escondian en los bucles de las bases, y en la intensidad del performance artistico de la banda. Todo esto dandole un toque mucho mas “comercial” a la musica.

Este disco lo esta sacando Leo bajo su propio sello Records Are Dead (RAD) y es sin duda uno que deben intentar no perderse, o tarde o temprano los alcanzara, asi como me dio un izquierdazo a mi.

Escucha:
White Ninja – Fuck B

Descarga el disco:
White Ninja – Guácala los modernos y su electro

A principio de año, cuando estábamos estrenando este pedacito de monterrey en el blog de Reactor, hicimos una lista de 9 bandas de Monterrey que recomendábamos mantener en la mira. Hasta la fecha varias de esas bandas ya sacaron sus discos, y no decepcionaron, otras todavía no terminan sus proyectos, y unas cuantas no han tenido siquiera un solo toquin. Pero así sucede siempre cuando uno trata de andar prediciendo los movimientos sociales y la música, es por ello que no vale la pena decepcionarse. Al contrario, creo que esa misma inhabilidad de poder ver perfectamente lo que el futuro traerá es lo que nos deja grandes sorpresas mes con mes. Dicho sea el caso del primer izquierdazo que me dio un disco este año. Se trata de “CUU”, el primer LP de Sr. Amable, proyecto de rock electrónico oriundo de Chihuahua conformado por una sola persona.

Con sus EP’s anteriores, “El EP de La Muerte” y “Sr. Amable Was Here” Andrés Murillo, el Sr. Amable, nos presento un mundo de posibilidades sintéticas que se acercaban a un pop caótico, versos raperos reminiscentes a el principio de los noventas, letras que tocaban desde lo irreverente hasta lo cotidiano y que lidiaban con la situaciones que podría vivir cualquier persona en un estado fronterizo, o en este caso, una ciudad tan cercana a la violencia criminal que ha plagado a nuestro país. Sin embargo, en lo personal, fueron discos que nunca me terminaron por convencer. Tenían hilos sueltos y su voz y melodías nunca me terminaron de atrapar completamente.

Pero de la misma manera que un buen pugilista gana la batalla en el ring, nunca me espere el magnánimo resultado de “CUU”, el cual, estrellándose en mi cara sin miramientos, ha logrado infiltrarse a mi lista de lo mejor del año.

“Me Carfa”, “Feliz Cumpleaños, Amable” y “Enero es un Gran Lunes” ponen el tono inicial del disco. Baterías trip-hoperas, sintes agresivos intermitentes, y atmosferas a base de sampleos que ponen el filo de compas a compas. Es también en estas canciones donde se nota una mayor involucración con las voces y el juego rítmico de las mismas como instrumento. La ultima cuenta con una colaboración por parte de Alexico, músico independiente de nuevo león que provee el rap más divertido que le he escuchado. “Para Blue Shit” es la primera pista de las 10 que se clava en la descripción social, mientras sirve como algún tipo de tributo a el proyecto chihuahuense de pos-punk electrónico Blueshit, del cual el Sr. Amable es bajista. “Pásale las Armas a Bul” y “Tema oficial de la semana nacional de vacunación de mascotas” continúan con este juego de letras “políticas”, que abarcan desde Chihuahua a DF y dan una vueltecita por el mundo de las políticas musicales. Donde los textos se pueden atribuir desde “irreverentes” hasta “fuera de lugar”, tómese en cuenta que tan solo muestran un lado de la moneda. Uno podría estar en acuerdo o desacuerdo con lo que Amable menciona, sin eso tener significancia alguna fuera del ámbito musical o del mundo planteado dentro de las mismas canciones. La otra notoria colaboración en el disco viene gracias a Mr. Racoon, también de Monterrey, quien participa en “Betun”, y aporta un lado mucho más melodioso y suave comparado con el resto de las canciones, mientras que el resto de las canciones funcionan como interludios instrumentales que no pierden la línea ni su lugar.

Suponiendo que la mayoría de los lectores que se topan con este blog no son del norte del país, o no estén tan familiarizados con la música de estos rumbos, este disco puede llegar a ser una sorpresa agradable. Mientras que los que estén ligeramente enterados de lo que se trata Sr. Amable, tengan por seguro que, al igual que a mí, este disco puede darles un golpe suficientemente duro como para desear que el próximo golpe que les caiga sea igual de placentero. Mientras tanto les dejo mi rola favorita del disco, y los invito a descargarse el disco.

Sr. Amable (con Alexico) – Enero es Un Gran Lunes

Descarga ya el disco: Sr. Amable – CUU